ДИЦ - проводник в мире информации


Деловой информационный центр БИБЛИОТЕКА № 1      

...
Кино [2]
Литература [13]
Изобразительное искусство [7]
Архитектура [1]
Музыка [1]

Статьи
Статьи периодических изданий [178]
Потребителю [33]
Право [41]
Экономика [10]
Компьютерный ликбез [32]
Психология [51]
Искусство [24]

Меню сайта

Статистика

Форма входа

Поиск

Приветствую Вас, Гость · RSS 21.11.2017, 20:39

Главная » Статьи » Искусство » Изобразительное искусство

Что читать будущему искусствоведу

1. Аби Варбург. «Великое переселение образов. Исследование по истории и психологии возрождения античности»

Аби Варбург воспринимается сейчас как центральная фигура западного искусствознания. Его труды главным образом посвящены теме выживания или возрождения античных образов. В статье «Дюрер и античность» (1905, не вошла в русский сборник) Варбург ввел ставшее классическим понятие «формулы патоса»: художники Ренессанса берут из искусства Античности определенные визуальные модели (например, мимику и движение тел персонажей) для передачи на своих картинах определенных (обычно — очень сильных, напряженных) эмоций и психофизических состояний. Принято считать, что формула патоса не только изображает то или иное состояние персонажа, но и способна передавать это состояние созерцающему.

Статья «Итальянское искусство и международная астрология в палаццо Скифанойя в Ферраре» (1912, есть в сборнике) стала классическим примером иконологического анализа. Здесь не просто описывается значение изображений на феррарских фресках с опорой на атрибутику персонажей, но и восстанавливается утраченное значение изобразительного комплекса в целом (первоначально непонятные изображения из палаццо Скифанойя оказались астрономическими символами). Варбург восстанавливает пути миграции символических образов из Античности на древний и средневековый Восток и обратно в ренессансную Европу. Живописные произведения, таким образом, оказываются не только художественными объектами, но и ретрансляторами разных традиций истолкования мира.

 

2. Генрих Вёльфлин. «Основные понятия истории искусств. Проблема эволюции стиля в новом искусстве»

Книга Генриха Вёльфлина (1930) — важнейший эпизод переворота в искусствоведении, который пришелся на начало XX века. Вёльфлин рассматривал произведение искусства не как один из источников общей истории культуры, но в первую очередь как воплощение изменяющейся формы. «Основные понятия истории искусств» стоит читать именно как попытку написать историю стиля. Эта революционная для начала XX века задача обеспечила книге Вёльфлина и славу, и нескончаемый поток критики. Швейцарского ученого, пытавшегося в бинарных оппозициях «плоскость — глубина», «замкнутая форма — открытая форма» описать разницу между Возрождением и барокко, обвиняли в формализме и в попытке сведéния искусствоведения к анализу чистой эстетики. Теперь, когда прошло сто лет и искусствоведение вернулось к вопросу исторического значения стиля, подход Вёльфлина снова принят во внимание и его книга уже воспринимается не как апология чистой формы, а как попытка сформулировать разницу между стилями разных художников в разных исторических контекстах.

 

3, 4. Эрвин Панофский. «История искусства как гуманистическая дисциплина» 
Эрвин Панофский. «Смысл и толкование изобразительного искусства»

Статья Панофского — введение в методологию искусствоведения, которое стремится выявить исходное значение художественного произведения. По Панофскому, задача историка искусства — анализируя художественные практики и идеологические традиции, реконструировать тот культурный контекст, в котором было создано произведение: без этого не может быть правильно воссоздан его смысл. Самой сложной составляющей этой задачи ученый считает интерпретацию формы: по Панофскому, произведение можно описывать только в категориях, в которых его бы мог описывать сам художник (и его современники). Итак, искусствовед, как и любой гуманитарий, занимается оживлением традиции: он извлекает забытые, мертвые памятники прошлого на свет, создавая подспорье для дальнейшего осмысления. Сформулированные Панофским особенности искусствоведения и его отличия от естественных наук — азы гуманитарного исследования, с которых нужно начинать освоение более изощренных методов.

 

5. Карло Гинзбург. «Мифы — эмблемы — приметы. Морфология и история»

Сборник статей одного из самых важных историков наших дней, Карло Гинзбурга, — пример междисциплинарности, удачно примененной к истории искусства. Статья «От Варбурга до Гомбриха» на ста страницах реконструирует проблематику искусствоведческого подхода, основанного Аби Варбургом. Эрвин Панофский, один из ученых — наследников Варбурга, считал, что задача исследователя — увязывать смысл художественного произведения с историческим и идейным контекстом эпохи, в которую оно было создано. Эрнст Гомбрих, наоборот, протестовал против историзирующего подхода в искусствоведении, вместо этого предлагая представить историю искусства как историю самостоятельного развития форм и стилей. Гинзбург показывает, что одно не может обойтись без другого: «История (отношения между художественными произведениями и историей политической, религиозной, социальной, историей ментальности и т. д.), бесшумно выставленная за дверь, возвращается через окно».

Примером синтеза этих двух подходов стала статья «Тициан, Овидий и коды эротической образности в XVI веке». Итальянский историк показал, что Тициан основывал свои картины не на «Метаморфозах» Овидия, как считала классическая иконология, а на переложении XIV века и, что самое важное, на эротизированных иллюстрациях к нему, а значит, у картин Тициана есть свой особый смысл, кардинально отличающийся от античных источников. Варбурговское «переселение образов», разобранное в микроисторическом контексте, возвратило Гинзбурга и современное искусствоведение к вопросу особого исторического видения, определяемого не столько содержанием картины, сколько формой изображения и ее прямыми ассоциациями.

 

6. Борис Виппер. «Введение в историческое изучение искусства»

Труд Бориса Виппера (1970), одного из наиболее авторитетных отечественных искусствоведов, важен тем, что суммирует базовые представления о видах и техниках изобразительного искусства и архитектуры. Каждый из разделов, посвященных графике, живописи, скульптуре или архитектуре, не только объясняет особенности родов искусства, но и служит очерком их истории. Хотя книга была впервые издана полвека назад, собранные в ней энциклопедические сведения вряд ли могут устареть. Дюрера невозможно изучать без знаний о гравюре; картины и фрески Микеланджело — без представления о скульптуре; византийское искусство — без представлений о технике мозаики. Это все еще лучшее на русском языке сочинение для тех, кто хочет понимать не только про что́ произведение искусства, но и ка́к оно сделано.

 

7. Сергей Даниэль. «Искусство видеть»

В центре книги Сергея Даниэля стоит представление о произведении искусства, находящемся в диалоге со зрителем. Современное искусствоведение вообще склонно интерпретировать смысл изобразительного текста, отталкиваясь от субъективного восприятия современника. Отзывы зрителя при этом необязательно должны быть зафиксированы в письменном виде: в самом произведении уже содержится «внутренний зритель». Так, по чрезвычайно смелой, неканонической «Тайной вечере» Веронезе (которую он после допроса инквизиции не стал исправлять, а попросту переименовал в другой библейский эпизод — «Пир в доме Левия») можно понять, к какому уровню сложности игры с евангельскими сюжетами был готов зритель XVI века и как успешно художник мог взаимодействовать со зрительскими ожиданиями.

Искусство Нового времени разрабатывает целую систему знаков, свидетельствующих о присутствии зрителя по ту сторону изображения: зеркала, напоминающие о том, что картина — отражение действительности; персонажи, выглядывающие с полотна прямо на нас и вовлекающие нас в рассматривание потустороннего пространства; наконец, многослойность самого изображенного мира, которая заставляет смотрящего воспринимать картину как один из миров, а собственный мир — как картину.

 

8. Юрий Лотман. «Об искусстве»

Если работы Юрия Лотмана о русской литературе — классика отечественной филологии, то его искусствоведческие статьи менее известны и более экспериментальны. Они ценны, вопервых, теоретической рефлексией о применении семиотических методов к изучению искусства и, во-вторых, конкретными анализами изображений. Показательны в связи с этим статьи «Натюрморт в перспективе семиотики» и «Портрет». Лотман описывает, как взаимоотношения знаков на картине определяют ее восприятие. Если натуралистические натюрморты заставляют задуматься о том, как создана «иллюзия натуральности», то аллегорические натюрморты, наоборот, склоняют зрителя к декодированию, чтению эзотерического языка.

Жанр портрета Лотман предлагает рассматривать через бинарную оппозицию «динамика — статика». В отличие от фотографии, привязанной к конкретному моменту во времени, портрет жив здесь и сейчас и общается со зрителем в каждой новой временной точке: так, например, можно было бы объяснить успех Моны Лизы, восторг зрителя перед которой часто мотивируется словами «она как живая», «она смотрит прямо на меня». Лотмановский анализ живописных портретов сочетается с наблюдениями над портретами литературными, что превращает всю конструкцию в тонкий и непростой эксперимент, поставленный на стыке дисциплин и методов, обозначенных самим автором.

 

9. Владимир Пропп. «Морфология сказки»

Книга Владимира Проппа (1928) — непосредственный предшественник структурализма и блестящий его образчик — обязательное чтение для каждого гуманитария. Пропп обнаружил, что костяк сюжета любой волшебной сказки раскладывается на один и тот же набор мотивов, а отличие одной конкретной сказки от другой обеспечивается мотивами добавочными. Вычленение такого универсального текста — важнейший инструмент гуманитарного анализа. В искусствоведении он применяется в иконографических разысканиях: каждый религиозный и мифологический сюжет непременно содержит как минимум один характерный для него мотив.

Владение универсальным набором таких мотивов необходимо для правильного декодирования сюжета изображения и для понимания его отличия от других подобных, а также для интерпретации смысла этого отличия.

 

10. Йохан Хёйзинга. «Осень Средневековья»

Вышедшая в 1919 году книга голландского историка Йохана Хёйзинги — до сих пор не теряющая актуальности классика культурологии. В своем историко-философском сочинении Хёйзинга осмысляет переходный период от Средних веков к Ренессансу во Франции и в Нидерландах (рассматривается в первую очередь двор герцогов Бургундских) не как время зарождения новой эпохи, но как угасание предыдущей эры — эры жестокости, меланхолии, набожности из страха смерти и красоты, прикрывающей уродство. Искусство Раннего Возрождения Хёйзинга описывает как искусство поздней готики: страсть к украшательству и витиеватости линии у ван Эйка или Мемлинга прикрывает своим излишеством «страх пустоты». Реализм ван Эйка, переполненный натуралистическими деталями, лишен гармонии; он еще полностью принадлежит Средневековью, представляя собой его конечную точку. Такую интерпретацию бургундской культуры Хёйзингой можно считать предвестием новейших искусствоведческих концепций, по которым произведения искусства одновременно смотрят в обе стороны на оси времени: ориентируются на усвоенный опыт прошлого и пытаются сформировать тенденции будущего. 

Источник: Arzamas

Категория: Изобразительное искусство | Добавил: Заведующая (10.05.2017)
Просмотров: 80 | Рейтинг: 0.0/0
Всего комментариев: 0
Добавлять комментарии могут только зарегистрированные пользователи.
[ Регистрация | Вход ]
Copyright MyCorp © 2017
Бесплатный конструктор сайтов - uCoz